TEATRO LIVE presentó WICKED

TEATRO LIVE!

presentó

Homenaje a 

WICKED

El Mago de Oz fue una de las primeras películas musicales que vi de pequeña. Ya entonces me cautivó y se convirtió en una de mis preferidas. Muchos años después, gracias a Teatro Live, he conocido una historia anterior a la llegada de Dorothy al mágico país. 

La historia jamás contada de las brujas de Oz se contó. 

Teatro Live es un grupo amateur  con una larga y estupenda trayectoria a las espaldas. Me habría gustado descubrirlos antes para haber podido disfrutar de uno de sus espectáculos musicales  ya representado:  Homenaje a Los Miserables, porque el libro de Victor Hugo en el que se basa figura también en la lista de mis favoritos. Con el tiempo, a mi pasión por la lectura se sumó la pasión por el teatro, y desde entonces he deseado ver el gran musical, deseo que a día de hoy todavía no he cumplido. Ojalá algún día en Brodway, ¡imagínense! No obstante, cuando las cosas se hacen con pasión, se nota y no es necesario ir a América. Con pasión siempre salen bien, porque las ganas lo mueven todo, y creo que es el caso de Teatro Live. 

Me consta, como teatrera que soy, el trabajazo que tienen que desarrollar todas las personas implicadas en un proyecto así: ideas, casting, clases de canto, de interpretación, horas de costura, de maquillaje, estudio, ensayos, más ensayos, y un largo etcétera hasta conseguir hilvanar todo y obtener un resultado excelente. Admirable.

El espectáculo es bonito a rabiar. El buen diseño de luces, el magnífico vestuario, las estupendas proyecciones en pantalla como fondo de escenografía, las coreografías que acompañan a muchas de las canciones,  y todo narrando una historia que más allá de lo mágico defiende valores como la amistad, el amor y la integridad. 

Estupendos todos los integrantes. Destacar que nunca imaginé un hada buena tan graciosa, ni una bruja mala tan enternecedora. También los momentos en que todo el elenco está en escena, que son los que más fuerza transmiten y remontan el ritmo de la función.

Un estreno formidable. Mis felicitaciones a todos, y mi deseo de seguir viendo gente con ilusión sobre los escenarios.

Así que... con esto y un bizcocho, hasta hoy día 8, que vuelven a representar en el Salón del Colegio Corazonistas. Si quieren perderse por un rato en la Ciudad Esmeralda, no lo duden, ¡vayan! y piensen que su butaca está en un camino de baldosas amarillas.

PRÓXIMO

PRÓXIMO

Dirección: Claudio Tolcachir

Intérpretes: Lautaro Perotti, Santi Marín

Mucho tiempo ha pasado desde la primera vez que oí hablar de Claudio Tolcachir y su Compañía Timbre4. Lo descubrí gracias a las redes sociales a las que tanto se critica, pero que tanto acercan cuando se está lejos. 

Y precisamente de esto habla Próximo, de una relación a distancia entre dos hombres que no se conocen en realidad, pero mantienen contacto a través del ordenador y el móvil. Se ven y se hablan, pero no se tocan, no se huelen, no se miran sin una pantalla de por medio. Lo que dio comienzo con unos "likes", continuó con unos mensajes y siguió con conectarse para hablarse. Y a miles de kilómetros de distancia, uno en Australia y el otro en Madrid, poco a poco van desvelando sus circunstancias, sus anhelos, y sobretodo sus miedos. Su vínculo irá creciendo y terminarán ambos convirtiéndose en la compañía más valiosa para el otro, la única que tienen frente a la soledad. 

Separados en la historia por miles de Kilómetros, pero a medio metro en el escenario. Trabajo titánico el de Lautaro Perotti y Santi Marín al estar durante más de una hora en escena sin mirarse, sin tocarse, sin volverse al habla del otro, tan sólo escuchando, percibiendo e intuyéndose. 

El movimiento es dinámico y el resultado brillante al no parecer estudiado, sino fluido, sin ninguna marca que lo delate. 

Comparten espacio y lo recorren. No hay ubicaciones definidas. Todo el escenario es Australia y España, una casa y otra casa, de día y de noche, en invierno o en verano. La dirección sobresaliente consigue que todo se perciba como una realidad, con momentos de conversaciones superpuestas y casuales perfectas.

Los actores desarrollan un gran trabajo interpretativo y contagian sus vacíos y sus temores creando escenas de gran emotividad en varios momentos. 

Para cuando llega el oscuro, el temor del no saber qué pasará y la desazón de la incertidumbre ya se han impregnado en el cuerpo, de tal manera que aún hoy permanece. 

Maravilla de obrón, más intenso si cabe al tenerles a un metro de distancia de la butaca. 

Hace un par de temporadas pude disfrutar, también gracias a la programación de Teatro del Mercado, de "La omisión de la familia Coleman", de la que Tolcachir es también autor y director. Ya entonces confirmé que era el teatro que me gusta, artesanal, que me mueve y me llega a todo el cuerpo. Ayer Tolcachir se consolidó para mí y estoy segura de que ha llegado para quedarse como uno de mis directores preferidos. Porque me emociona lo cotidiano convertido en hermoso, y él lo consigue. 

¡NO SE LA PIERDAN!, "Próximamente" en Teatro de La Abadía. 

Dentro de la 37 edición del Festival de Otoño.

Del 28 de noviembre al 22 de diciembre.

LA ELEGIDA

LA ELEGIDA

Helena Castillo es Concepción

Dirección Pep Vila

Textos: Sergio Plou

Los días 1, 2 y 3 de Noviembre se estrenó en el Teatro del Mercado de Zaragoza "LA ELEGIDA". 

"La elegida" es Concepción, una mujer rara que en cuanto aparece en escena despierta cuando menos curiosidad. Su porte la define desde el primer segundo. Su diálogo con el público, a quien habla directamente durante toda la función, la presenta como alguien diferente que no tiene miedo a contar, una persona "rara" de quien se desea saber. 

Concepción parece recibir "señales" que la empujan a tomar la decisión de ser madre. Algo complicado en su caso, por ser viuda y no tener pareja. No obstante, a pesar de la ardua tarea, las señales recibidas, tanto las que parece percibir de su marido fallecido, como otras que están por todas partes, la llevan a buscar a alguien que le ayude en tan difícil situación.

¿Conseguirá Concepción su cometido? ¿Serán el embarazo y el parto una maravillosa experiencia, o será la maternidad otra cosa diferente a lo que se cuenta?

Un viaje para disfrutar de luces y sombras, de verdades y mentiras y sobre todo de risas. 

Helena Castillo deja su nariz, pero no pierde su alma de clown. Maneja con precisión, ritmo y naturalidad un texto inteligente. Sola en las tablas, se ayuda de una puesta en escena estupenda, una escenografía casi inexistente, en la que los pocos objetos que la acompañan son suficientes, cobran vida y se convierten en piezas divertidas e incluso mágicas. Sorprendente el juego que puede dar una válvula y desconcertante el que puede dar una flauta. Su ingenuidad, y al mismo tiempo su valentía inconsciente, nos llevan hasta el final del comienzo en el que quizás, quién sabe, deba permanecer de nuevo sola.

Un trabajo extraordinario de dirección que hace de "LA ELEGIDA" un espectáculo para reír y reflexionar al mismo tiempo. Un personaje creado con mucho trabajo y "mimo". 

Huele en ésta noche de julio a siglo XVII...    

  

Italia entre juegos de oscuros y sombras.

Versos de almíbar en voces profundas.

Una sirena canta  y un corazón desborda.

Amor imposible, amargura honda.

Miradas astutas que desenmascaran. 

El sentido pierden, en el deseo bailan.

Bajada al infierno, el castigo acecha.

La venganza ejecuta, el honor ordena.

Y ya presa de amor me encuentro, 

porque no encuentro otra forma 

de encontrarme de nuevo. 

Tu muerte es la mía  y contigo muero.

Sin dejar de sentirte, sin dejar de pensarte, 

con tus palabras de azúcar en  mi boca

y mi pecho lleno de ternura y caricias. 

para leer más textos míos visita http://quienogustequenolea.blogspot.com/

EL CASTIGO SIN VENGANZA

EL CASTIGO SIN VENGANZA

El castigo sin venganza, de Lope de Vega, versión de Álvaro Tato y dirección de Helena Pimenta ha sido, sin ninguna duda, la mejor representación que he visto de un clásico. Y es que escuchar a Lope, con el cielo de Almagro por techo (Teatro Adolfo Marsillach), no tiene precio. 

El elenco es para aplaudir hasta cansarse. El Duque de Ferrara, al que da vida Joaquín Notario, es enorme en todas y cada una de las aristas del personaje. El conde Federico, interpretado por Rafa Castejón, es magnífico al transmitir el verso. Sus palabras se impregnan de amargura por el silencio guardado ante el amor que esconde.

" Tú me engañas, yo me abraso,

tú me incitas, yo me pierdo,

tú me animas, yo me espanto,

tú me esfuerzas, yo me turbo,

tú me libras, yo me enlazo,

tú me llevas, yo me quedo,

tú me enseñas, yo me aparto, 

porque es tanto mi peligro 

que juzgo por menos daño

-pues todo ha de ser morir- 

morir sufriendo y callando-."

La amargura se amalgama con la dulzura al revelarle a su madrastra Casandra (Beatriz Argüello) el deseo que  por ella siente, a través de uno de los textos más bellos escritos por Lope.

"En fin, señora, me veo

sin mí, sin vos y sin Dios:

sin Dios por lo que os deseo,

sin mí porque estoy sin vos,

sin vos porque no os poseo."

Una Aurora herida y despechada por el desdén del conde. Maravillosa Nuria Gallardo, como siempre.

Un Batín excepcional creado entre humor e inteligencia. Estupendo también Carlos Chamarro.

Y resto de actores impecables, todos con un trabajo a la altura del espectáculo, todos pieza clave para que la obra se desarrolle igual que una máquina perfecta.

Qué decir ya de la escenografía, iluminación y vestuario. Grandes paredes de gasa, luces y sombras para definir momentos de escucha y traición. Espejo que cae para mostrar las dos caras ante el adulterio. Plataforma giratoria, sillón de barbero. Botas de cuña alta, tirantes y negros. Vestidos sobrios para Casandra, pero no por ello menos bellos. Todo sumado a los momentos en que la música y el canto en directo, refuerzan escenas que crean nudos en la garganta.

El teatro, a veces, ofrece momentos que cautivan, representaciones inmensas que te sumergen en un mar oscuro lleno de sensaciones, para mí, muy parecidas al amor (si es que no lo es). Sí, no encuentro otra manera de definir instantes tan bellos e intensos. Entonces, vivir para disfrutar de lo que ante ti acontece, es un privilegio. Respeto y agradezco lo ofrecido, enormemente, y a ser posible, repito. Como lo he hecho esta vez, y volvería a hacerlo una tercera sin dudarlo. 

De nuevo en el Teatro de la Comedia (Madrid) del 6 de noviembre al 22 de diciembre. 

¡Vayan! y salgan del patio de butacas con el alma satisfecha y el pecho lleno de caricias.

LA HIERBA SIEMPRE VOLVERÁ

LA HIERBA SIEMPRE VOLVERÁ, IGUAL QUE EL AMOR POR EL TEATRO

Hace ya muchos años que me convertí en asidua espectadora de teatro. Multitud de obras vistas en teatros grandes, pequeños, públicos, privados, en salas alternativas, en mi ciudad, en otras ciudades, en parques, en la calle, en salas multiusos, en centros cívicos, en auditorios, en colegios...Comedias, dramas, teatro clásico, contemporáneo, poético, documento, social, participativo, con muchos recursos, con pocos o prácticamente sin ellos.

Quizás tras tantos textos, actores y actrices, puestas en escena, músicas, luces, en fin...tantos montajes, una llega a saturarse porque no puede por menos que comparar constantemente. Se corre el peligro de observar hasta la saciedad cualquier mínimo detalle. Se corre el riesgo de pensar que cada día es más difícil disfrutar del teatro, pues has visto tanto que todo tiene un pero. 

En ese momento estaba desde hace algún tiempo, hasta ayer que pude disfrutar de "La hierba siempre volverá". Espectáculo itinerante por las calles del Gancho, a cargo de los miembros del grupo de Teatro Comunitario del Gancho y de Imaquinaria en el barrio de San Pablo, en Zaragoza. Formado por vecinos y vecinas de todas las edades. Dos horas contando historias de gente real, del barrio, con sus alegrías, sus penas, sus problemas y sus miserias. Canciones comprometidas y divertidas. Vestuario de una paleta de colores estupenda. Y sobretodo teatro que fluye sin titubeos, sin errores, sin contratiempos porque está hecho con ganas, disfrutando, participando todos por igual. Contando desde la verdad y a través del compromiso.

Enhorabuena a todas las personas que de una u otra forma hacen posible esto. Gracias por devolverme la ilusión de creer en todo tipo de teatro.

LEHMAN TRILOGY

barco pirata

producciones teatrales

PRESENTA

LEHMAN TRILOGY

UNA OBRA DE STEFANO MASSINI

VERSIÓN Y DIRECCIÓN SERGIO PERIS-MENCHETA

ELENCO

Litus Ruiz, Víctor Clavijo, Pepe Lorente, Darío Paso, Aitor Beltrán, Leo Rivera

Telón bajado. Se agradece porque nada más elevarse, anuncia lo que será una sucesión de sorpresas durante toda la función. Una brillante escenografía e iluminación nos traslada al puerto de Nueva York, allá por 1844. Un inmigrante judío, desembarca en busca de oportunidades. Será el primer Lehman que lo haga. A él se unirán dos hermanos más con los que creará, aportando cada uno de ellos sus mejores cualidades ("cabeza, brazo, patata"), el primer comercio de los Lehman, una tienda de telas. A partir de allí, siglo y medio de negocios a través de tres generaciones: compra-venta de algodón (creando la figura del intermediario), inversiones en ferrocarril, producción de coches, banca... siempre aprovechando la oportunidad de crecer más y ganar más, aunque eso suponga perder poco a poco los valores de los inicios. "No se tira nada, todo se vende".

El texto es como una clase de historia y economía, pero entretenida, con ritmo y comedia. Sin tiempo para despistarse. Nunca pensé que el relato de una familia forjadora de un imperio económico en América pudiera engancharme de tal manera que permaneciera en la butaca tres horas, más contando los descansos, necesarios, pero sin ánimo de abandonar en ningún momento. Deseando proseguir con la historia, como cuando ves una buena película en la televisión y vas corriendo al baño en la publicidad. Tiene mérito lograr algo así en la era de la inmediatez.

El espectáculo, igual que una piñata de cumpleaños, va rompiendo poco a poco, de menos a más, y regalando sorpresas constantes. Seis actores polifacéticos dan vida a ciento veinte personajes: niños, jóvenes, viejos, hombres, mujeres, ricos, pobres... Registros que cambian con sólo mover una visera. Escenas a cámara lenta (¡colosal la carrera de caballos!). A todo esto se une que, mientras tanto, cantan, bailan y tocan multitud de instrumentos. Blues, twist, rock (incluida la aparición de Bob Dylan y Los Beatles). Dos clases más para añadir, música y masterclass de interpretación, y van cuatro.

El texto y las actuaciones musicales se fusionan perfectamente. La escenografía va creciendo y ayudando junto con las luces y la cinta transportadora que recorre de forma semicircular el escenario y que recuerda al tren chu-chu de la bruja, donde montábamos de pequeños para que nos arrearan con una escoba y acabaran regalándonos un globo. Sarcasmo incluido para reflejar como funciona hoy en día el mundo debido a la evolución del capitalismo. El vestuario también juega muy bien su papel y ayuda, modificándose sutilmente con el paso de los años y dando una oportunidad a la imaginación para forjar ciertos personajes a través de pelucas y crinolinas.

Y finalmente, el derrumbe del imperio Lehman desatando en 2008 la mayor crisis financiera de la historia.

La dirección de Sergio Peris-Mencheta es magistral. Un maestro que rebosa ideas y más ideas en escena. Un inicio, antes de que se eleve el telón, diferente y que no voy a desvelar, ¡vayan a descubrirlo!. Marca de la casa que ya saboree cuando vi "Un trozo invisible de este mundo", dirigido también por él, en el que obtuve, junto con el programa, un número que se me asignaba como inmigrante. Juan Diego Botto recibía al público en el patio de butacas comiendo una fruta y al azar preguntaba a uno de esos inmigrantes si conocía cierto artículo de la Constitución española, bajo riesgo de ser expulsado si no lo sabía. Desde el segundo uno, siempre diferente. Una forma de hacer teatro jugando y convirtiéndolo en un carrusel mágico que no para de girar. Director currante y atrevido que siempre ofrece una calidad de ejecución sobresaliente. "No es suerte, es técnica", y talento y mucho trabajo detrás. Señor Peris-Mencheta, se le echa de menos sobre las tablas, pero mientras esté detrás de esta manera, se soportará bien.

JAURÍA

JAURÍA

de Jordi Casanovas 

dirigido por Miguel del Arco 

con Fran Cantos, Alex García, María Hervás, Ignacio Mateos, Raúl Prieto y Martiño Rivas 

Viaje a Madrid para conocer El Pavón Teatro Kamikaze y ver "Jauría", la obra de teatro basada en las declaraciones literales de denunciante y acusados del caso de La Manada. 

Expectación y nerviosismo ante lo que iba a ver, a sabiendas de que sería pasar un mal rato. 

Entrar en la sala me produce la misma sensación que sentía cuando de pequeña, en el parque de atracciones, montaba en la cueva del terror. Ya en la butaca pienso que me he adentrado en la boca del lobo y no hay marcha atrás. 

Comienza la función, partiendo de que todo lo dicho es real. 

Ellos tocan palmas, ella no. Su fiesta, (la de ellos), se percibe desde el primer segundo como invasiva, irritante, repulsiva conociendo el final en el que deriva. Grito de ellos hacia ella, sola, siempre sola, rodeada de todos ellos, cinco. Primera parada de respiración y latido cardíaco acelerado que ya no recupera su ritmo normal a lo largo de toda la representación. 

Dos versiones diferentes, las narraciones de los hechos se van entrelazando, "cuenta" ella y al mismo tiempo ellos. "Cuentan" porque se dirigen al público, y el público se convierte así en testigo que transita por sus emociones, sus palabras y sus cuerpos. Miedo al ver los pasos dados, casi estudiados, para conseguir el fin perseguido. 

Hechos brutales tratados con gran respeto, sin una pizca de morbo. Congoja al escuchar como ella relata que quedó abandonada en ese maldito portal, con los leggins bajados. 

Se suceden las declaraciones de denunciante y acusados. Rabia al ver como éstos últimos se jactan por redes de los hechos. Rabia al ver como ante las preguntas de la fiscal ríen recordando ciertos momentos. Lo sucedido aquella noche sigue siendo para ellos algo normal, incluso jocoso, sin culpabilidad ni remordimiento. Rabia al ver como la víctima ha de dar más explicaciones que ellos. Dos agresiones, la primera la violación, la segunda la desprotección ante la justicia por la sospecha y culpabilización de la víctima. Duelen las preguntas: "¿Dijo que no en algún momento?", "¿gritó, empujó o intento huir?". 

Impotencia, asco ante el ofrecimiento de pañuelos. 

Emoción al escuchar las voces de miles de mujeres que se manifestaron por las calles al grito de: "Hermana, yo sí te creo". 

Cinco varones mayores que ella, la meten en un portal de 3 metros cuadrados, la desnudan rápidamente, la obligan a mantener relaciones sexuales y uno tras otro, cuando terminan, van abandonando el lugar, dejándola sola, desnuda y sin móvil,... y siguen con su fiesta. 

La única crítica que soy capaz de escribir es la dirección impecable de Miguel del Arco y las interpretaciones bestiales de ellos seis, actriz y actores. 

Salir del teatro sin fuerza en las piernas y los brazos, con ahogo en el pecho y un nudo en la garganta que, poco a poco, se va pasando al respirar aire en la calle. 

Cuando el teatro remueve y hace reflexionar, cumple con su función. Así es mi visión del teatro. 

Gracias a los "kamikazes" por atreverse con ello, a los actores por el esfuerzo que supone ser canal del dolor y representación de una realidad que da miedo. María Hervás cuenta en una entrevista que ve esperanza entre los jóvenes que asisten a los pases realizados para institutos. Raúl Prieto dice: "Tenemos que luchar por una sociedad en la que no sea un peligro para una mujer comportarse como una persona completamente libre". 

¡Ojalá! Ojalá llegue el día en que no haya que preguntarse ¿porqué se quedó sola?, ¿porqué se fue con unos desconocidos?, aunque así sea, no debería de pasar nada. Como mujeres tenemos interiorizado que somos nosotras las que tenemos que tener cuidado y huir de ciertas situaciones, para esquivar el peligro, y eso es falta de libertad sólo por ser mujer. 

¡Ojalá llegue el día en que la sociedad sea de iguales! "Jauría" cumple un gran papel en ello, sacudiendo la conciencia y removiendo el estómago ante lo que como sociedad está normalizado y no debería estarlo. 

EL CASTIGO SIN VENGANZA

EL CASTIGO SIN VENGANZA

de Lope de Vega

Creación y Producción: CNTC    

Versión: Álvaro Tato

Dirección: Helena Pimenta

Elenco: 

Beatriz Argüello

Lola Baldrich

Rafa Castejón

Carlos Chamarro

Nuria Gallardo

Joaquín Notario

Íñigo Álvarez de Lara

Javier Collado

Fernando Trujillo

Alejandro Pau

Anna Maruny

El castigo sin vengaza, ya desde su título, esconde la mentira con la que el Duque de Ferrara, engaña a su hijo el Conde Federico, para que éste de muerte a Casandra, joven esposa tardía del Duque, madrastra del Conde y al mismo tiempo su amante.

El honor perdido y descubierto tras la ausencia, y el castigo a los culpables, a pesar del amor al hijo, desencadenan el trágico final.

El montaje está impregnado de belleza poética, no sólo por los versos magistrales de Lope, dichos y contagiados al público a través de un trabajo actoral impecable de todo el elenco. 

La escenografía insinúa y deja ver a través de paredes de gasa y crea junto a la iluminación un Palacio lleno de pequeñas y grandes sombras, un entramado de pasillos, un puesto definido para cada personaje, un espejo reflejando la traición que se comete,un mismo color para el poder y la pasión (precioso el momento de los amantes atrapados en seda roja convertida en cama y alcoba), un segundo entre ser suelo pesado de mármol o bosque.

El movimiento en escena está cuidado al milímetro y se agradece por la riqueza que suma a ciertos momentos. El ritmo durante toda la obra es una partitura compleja interpretada con facilidad. No hay pausas, se encadenan y yuxtaponen escenas. Todo funciona con la misma precisión que el interior de la maquinaria de un reloj. 

El sonido traspasa la imaginación, pues poca hay que echarle para sentir de repente una ciudad aclamando a la nueva esposa del Duque, a través de cuatro banderines y algunos papeles de colores.

Un viaje hasta el fin de las consecuencias de nuestros actos y la irracionalidad de nuestros deseos. Un camino en tiniebla entre el deber y el honor, el poder y el amor.

Un montaje impecable en todos los aspectos, del que me permito destacar el excepcional trabajo de Rafa Castejón al transmitir su amargura, desesperanza y desolación. 

«Sin mí, sin vos y sin Dios»

Y una vez más, el teatro me salvó en mi rincón preferido de Zaragoza, el Teatro Principal. 

Este verano en el Festival de Teatro Clásico de Almagro. Sería maravilloso volver a disfrutarla.

AMOR OSCURO (sonetos)

 Ayer disfruté en Teatro Arbolé de ... 

AMOR OSCURO [sonetos]
de Producciones Viridiana
Escrito y dirigido por Jesús Arbués sobre los "Sonetos del Amor Oscuro"
 de Federico García Lorca

Intérpretado por Javier García Ortega

La historia de los sonetos desaparecidos, al igual que su autor. Éstos corrieron mejor suerte que él y fueron rescatados. Tras años ocultos, por fin vieron la luz en una edición clandestina. 

Once sonetos recuperados, once personajes para contarlo. Cada uno narrando lo ocurrido antes y después de que Federico García Lorca los escribiera. Momentos y personas claves para explicar de forma ágil sus últimos días, su muerte y su legado. Si alguien no conocedor de la historia de Lorca presenciara la función entendería en poco más de una hora lo ocurrido.

Como si de un río se tratase, la obra sigue su curso, sin parar. Javier García es el encargado de llevarnos en el trayecto. Un pasillo formado por dos filas de butacas colocadas en escena y el final del escenario, o el principio del patio. A ambos lados de ese pasillo, dos paredes de cajones de madera que hacen las funciones de almacenamiento del vestuario y atrezzo y de pantallas sobre las que se proyectan imágenes: un café, el mar, la cárcel, portadas de periódico y el texto (escrito a máquina) describiendo cada uno de los sonetos y personajes que van apareciendo. Cada soneto una historia. Cada personaje un registro diferente interpretado a través de la voz y el cuerpo de Javier García. El padre de Federico, el secretario de La Barraca, su último amante, pasando por Neruda  y Francisco Franco entre otros. Una actuación impecable de principio a fin. Un trabajo maravilloso, delicado, que obliga a no despistarse ante la palabra, a no querer pestañear ante las imágenes y la luz, a percibir más allá de la música que se escucha. Sentimiento en cada frase, cada gesto, cada movimiento.

Quizás porque las palabras de Lorca están marcadas a fuego en mi memoria y mi corazón desde la primera vez que leí uno de sus textos. 

Quizás porque para mí Lorca es intimidad, a solas ante uno de sus libros o en un teatro lleno. Siempre siento cerca a Federico, como si se tratase de un familiar o amigo lejano que dejé de ver, pero no por ello olvidado ni perdido.

Para mí Lorca es arritmia, ternura, pasión, tormento, 

delirio, gozo, amor, fuego.

Belleza es, creo.

Quizás por todo eso, ayer sentí el alma de Lorca en el teatro, a través de Javier García, y de mi pecho marcado a fuego.